Irene León y Miguel Panadero integran el ‘Equipo Cell’, que obtuvo el primer premio en la XVI edición del Concurso ‘Gran Canaria de series de obra gráfica 2018’, con una propuesta titulada ‘Motus-Us’. En esta entrevista ambos hablan de la citada creación ‘a cuatro manos’ y del grado de compenetración artístico alcanzado entre ambos.   

¿Pueden referirse a su serie ‘Motus-Us’ y al grado de dificultad que implicó a la hora de trabajarla entre ambos?

Irene León: Motus-us es una secuencia de cuatro imágenes que muestran a dos personajes (nosotros), en la acción de desvelar su interior, que aparece como una suerte de explosión multicolor. La idea nace de manera espontánea de una pequeña animación que realizamos previamente para otro proyecto diferente, y de la que rescatamos la idea de narrar en cuatro fotogramas, una pequeña transformación y evolución. En primera instancia previsualizamos el resultado que buscábamos, y luego definimos la técnica a emplear. Fue bastante grato trabajar a dúo ya que agiliza muchísimo el proceso cuando se hace uso de las diferentes cualidades que cada uno posee.

Miguel Panadero: Decidimos realizar esta serie de grabados porque previamente habíamos estado trabajando en varios autorretratos a dúo con técnicas de animación. Nos pareció que podríamos sintetizar alguna de estas secuencias, para contar nuestra pequeña historia de dos personajes, en continuo cambio, en cuatro fotogramas. A los dos nos interesa trabajar en espacios híbridos entre el dibujo, la pintura, la animación, el grabado. Todo esto hacía la ocasión era ideal.

¿Cómo se manifiesta el grado de entendimiento en una obra de creación colectiva como ha sido la que ha obtenido el premio del concurso del Cabildo?

I.L: El entendimiento se pone de manifiesto cuando ambos sabemos identificar, valorar y acoger las sugerencias del otro, logrando así complementar las capacidades que cada uno tiene y consiguiendo un perfecto equilibrio.

M.P: Creo que con algunas personas uno descubre que trabajar en equipo es fácil. Los proceso creativos en grupos de dos o más cuando se respeta y valora al otro son muy efectivos. Supongo que una de las claves es marcarse un objetivo e ir sumando ideas y recursos para construir la obra. Poner el resultado por delante de los individuos.

¿Qué le proporciona el arte de Panadero al de León y al contrario?

I.L: A pesar de que nuestros estilos y maneras de abordar las ideas así como la técnica, sean bastante diferentes, compartimos valores y un sentido del gusto bastante parecido. Es por ello que partiendo de una base común, cada uno mantiene su lenguaje y la libertad para abordar los proyectos según su visión. La aportación de Panadero suele ser siempre una interpretación más libre, personal, simbólica, divertida, mientras que la de Irene suele ser más realista, figurativa y metafórica. Con lo cual el producto final tiene una mezcla entre ambas líneas.

M.P: Soy un admirador de la obra de Irene desde que la vi por primera vez. Pasado un tiempo la conocí a ella, tuvimos la oportunidad de colaborar por primera vez en un proyecto con arte y reciclaje para ISPO en Munich. Poco a poco la relación se ha hecho más cercana y han ido surgiendo ideas para realizar a dúo. Para esto decidimos crear una nueva Identidad y llamarla Cell. Creo que lo más interesante es que vamos a hacer cosas que no haríamos individualmente. Nos entendemos muy bien en la parte más mental del proceso creativo y cada uno dispone de herramientas diferentes a la hora de ejecutar la obra. Con lo que la unión nos da muchísimas posibilidades.

¿Qué creen que les ofrece el grabado que no les ofrezca otros soportes creativos?

I.L: Una calidad inigualable para registrar texturas, la calidez de lo artesano, de la obra física. La posibilidad de reproducir. La magia de superponer capas, papeles, lenguajes diferentes, herramientas, etc.

M.P: El grabado siempre me ha parecido muy atractivo, tanto por la riqueza de los resultados que se pueden obtener como por el ejercicio mental que implica idear una obra que va a ser la huella de tu trabajo. También me parece bonita la parte que tiene de conexión con el pasado, de técnica tradicional.  

¿Tienen alguna opinión sobre los nuevos soportes que han asaltado en los últimos años a esta ancestral técnica y que están siendo empleados por muchos artistas (planchas solares, fotolitos fotográficos generados en ordenador, etc)?

I.L: Me parece una manera de evolucionar la técnica del grabado, de complementar lo tecnológico con lo artesano.

M.P: Me parece que todas estas nuevas técnicas mantienen la disciplina viva y son una invitación a seguir experimentando. Me interesa mucho la fusión de técnicas nuevas con tradicionales.

¿Hacia a dónde creen que se dirige en el contexto del arte el futuro del grabado como técnica de creación artística?

I.L: Yo diría que hacia la fusión de lo analógico con lo digital. Quizás no ya como estampa única, sino en esa búsqueda entre disciplinas, podamos ver el grabado como instalación, como acción, como metáfora, como huella.

M.P: Los orígenes del grabado lo sitúan como una técnica de reproducción, la idea era conseguir repetir una obra un número de veces determinada. Ya hace mucho tiempo que la impresión se revolucionó y el grabado es más una técnica para dibujar pintar indirectamente. El que se acerca al grabado en la actualidad lo hace atraído por sus posibilidades expresivas más que para sencillamente repetir una imagen.

¿Creen que el grabado como soporte expresivo está lo suficientemente valorado en el mundo del arte y, más concretamente, en las colecciones del ámbito de los museos públicos y en las programaciones de exposiciones de las instituciones?

I.L: Quizás el hecho de ser una técnica reproducible, hace que hoy día no sea lo suficientemente valorado. Creo que podría seguir existiendo pero desde una inminente evolución. Grabar desde el contexto actual, desde lo que acontece, aprovechando el simbolismo de hacerlo en el siglo XXI y los nuevos medios.

M.P: Creo que el grabado es un gran desconocido, el público en general, aficionados al arte e incluso algunos coleccionistas no conocen la diferencia entre una xilografía, una serigrafía, un aguafuerte, un aguafuerte, un gofrado, una aguatinta…Existen instituciones como la Calcografía Nacional, con importantes colecciones pero yo personalmente echo de menos exposiciones dedicadas a obra gráfica en exclusiva en los Museos y Centros de Arte. No sé bien la razón de este olvido.  

¿Pueden avanzarme en qué proyectos futuros se encuentran ahora mismo involucrados ambos?

I.L: Como equipo estamos dándole forma a varios proyectos de manera simultánea. Uno de documentación gráfica (dibujo) itinerante, otro de formación, exposiciones en el tintero, y varios más gestándose en blocs de esbozo.

M.P: Como Cell tenemos que terminar el proyecto Book in Progress que comenzamos en PAO Oslo. Además tenemos varios proyectos sobre la mesa. Esperamos poder contar más en breve. A título individual yo preparo una exposición para la sala del Rectorado de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria, titulada ‘La Máquina de los Sueños’.